ART на руке.
Архив августа 2009 г.
Движение, пластика, труд, пот, многократное повторение у станка, самовыражение, преодоление через немогу, хочется есть, а нельзя — все это школа классической хореографии.
Снимки выполнены в городе Вольске. (камера Olympus E-3)
Новые способы рисовать. Чем не мастер-класс! Надо попробовать…
Завершается выставка «Поле притяжения» Энтони Гормли в Центре современной культуры «Гараж»
с 17 июля по 2-е сентября 2009 года.
Ангел Севера
Специальный гость III Московской биеннале Энтони Гормли.
Скульптор Энтони Гормли в Москве произвёл фурор — и силой своего искусства, и обаянием своей личности. В сентябре он собирается расположить свои скульптуры на крышах центральных зданий. Столица России будет под неусыпным присмотром творений английского гения. 
Выдающийся британский скульптор Энтони Гормли привёз в Центр современной культуры «Гараж» инсталляцию «Поле притяжения», дал мастер-класс и прочитал лекцию. Если сказать, что он очаровал (женское слово!) москвичей, это не будет преувеличением.
Трудности перевода
Несмотря на десятки монументальных инсталляций по всему миру, два десятка престижнейших наград (в том числе премия Тёрнера), Энтони сама скромность и доступность.
В нём нет никакого надрыва, суеты. Здоровый румянец, белая футболка, светлые брюки. Рост под два метра, металлические очки, через которые светятся внимательные глаза.
Наедине со всеми
Начну с инсталляции, которую Гормли привёз в Москву. «Поле притяжения» — около трёхсот полупрозрачных скульптур, состоящих из сваренных стальных реек. С одной стороны, фигуры агрессивно-колючие, с другой — хрупкие.
С одной стороны, они вместе, с другой — каждая сама по себе. Типичные жители мегаполиса! Проходя сквозь эту массу «призраков», ты чувствуешь себя героем кинофантастики, который двигается со сверхскоростью.
Ты успеваешь подробно разглядеть остановившийся людской поток. Поначалу охватывает растерянность, но потом ощущаешь сопричастность к каждому из персонажей. Список их собственных имён висит на стене.
Гормли всегда стремится к эмоциональному контакту. На мастер-классе художник с 36 добровольцами дал команду вылепить первое, что приходит в голову. Потом выбрать понравившуюся фигурку и сделать ей противоположную по смыслу. Затем найти автора приглянувшейся скульптурки и предложить ему дать ответ. Диалог полярностей!
Одно из заданий было вылепить внутренний автопортрет. Уловить в себе ту самую сущность (что так тяжело давалась переводчице). В результате получался пластический разговор «сущностей». Именно за проект «Поле», инсталляцию из тысяч маленьких глиняных скульптур, сделанных любителями, Гормли получил премию Тёрнера.
Широко известен его проект «Другое место», посвящённый теме эмиграции. Это сотня чугунных фигур, распложенных на пляже лицом к горизонту. Во время прилива часть из них скрывается под водой.
Скульптуру Гормли можно встретить «читающей» в библиотеке или «готовящейся к прыжку» у кромки бассейна. Несмотря на то что многие инсталляции являются метафорами одиночества, именно благодаря обращённому к ним вниманию они уменьшают одиночество зрителей. Таков парадокс!
Детская простота
В сентябре (в рамках III Московской биеннале) Гормли собрался расположить скульптуры на крышах центральных зданий — в этом заключена сущность его проекта «Горизонт событий».
ессменный комиссар биеннале Иосиф Бакштейн спросил скульптора после лекции: «Скажите, а вы вписываете свои работы в актуальность?»
«Конечно, — ответил Энтони, — вон у меня четыре скульптуры на крыше, а одна внизу, поскольку народ, что внизу ходит, должен непосредственно участвовать…»
Публика развеселилась такому ответу.
«А политика, как вы считаете, должна входить в сферу интересов художника?» — опять спросил комиссар о наболевшем.
«Да, — согласился Гормли, — художник обязан иметь политические взгляды».
Народ пришёл в ещё больший восторг, поскольку стало очевидно, что каждый из участников диалога говорит о своём.
«А как вы достаёте деньги на свои масштабные проекты?» — поинтересовался у звезды contemporary art уже о совсем наболевшем многоопытный Иосиф Маркович.
«Когда надо было размещать чугунные фигуры на пляже в Северной Германии, — поделился опытом художник, — я объяснил районной администрации идею. И они дали деньги». Он счёл нужным добавить: «Нужно хорошо уметь объяснить идею».
Комиссар обескураженно посмотрел в зал и засмеялся одновременно с ним.
Вот она — детская простота гения!
Причём, общаясь с Гормли, все становятся детьми. И критики, и кураторы с галерейщиками, и случайные посетители. Ведь это естественно, когда общаешься с волшебником.
Магический рецепт
Однако великое искусство британца имеет конкретные составляющие. Структура его сваренных из реек фигур и арт-объектов («Поле притяжения», «Квантовое облако» и т.д.) принципиально отлична от западной абстрактно-концептуальной скульптуры (Архипенко, Генри Мура, др.), где используется «негативное пространство». 
В «негативной» скульптуре вместо внешнего объёма — полость. Например, голова — это пустота, обозначенная волосами, рукой скульптуры («Женщина, расчёсывающая волосы» Архипенко).
Гормли же использует восточный принцип пустоты (художник много путешествовал по Востоку, три года жил в Индии и т.д.).
Небо-ян держит в повиновении землю-инь. Если в западном сознании пустота — это ничто, то в восточном — это духовная энергия небес. И во всех естественных полостях человеческого тела (тело как таковое — предмет тщательного изучения британца уже 40 лет) она присутствует.
Этот эффект Гормли называет «концентрацией присутствующего отсутствия». Проще говоря, это энергетическое поле. Поэтому его «разрежённые» арт-объекты и фигуры дают светлое ощущение, когда попадаешь в их «сферу влияния» (в отличие от «минусовой» скульптуры). 
Другой восточный приём, взятый на вооружение англичанином, — принцип коллективности. Вокруг буддийских китайских храмов часто 100—200 одинаковых скульптур.
Только Гормли этот принцип коллективности вывел из религиозной сферы в социальную. Свои скульптуры он называет (по основателю научного прагматизма Чарльзу Пирсу) «знаками-индексами». Его «указатели» заставляют зрителей быть причастными к природной или городской среде. Входить с ней в контакт.
Итак, ингредиенты его искусства таковы: от Запада — позитивистская философия прагматизма (Пирс), активной социальности (Бойс); от Востока — принципы пустоты и коллективности. 
Используя все эти факторы, Гормли антропологически «одушевляет» пространство. ЕслиИлья Кабаков, как соц-артовский концептуалист, уходил от человека (презирая своего персонажа — советского обывателя), то Гормли, напротив, стремится к человеку, видя в людях сотворцов.
Часто в своих скульптурах-индексах он воплощает собственную статную фигуру. Она явно угадывается и в его знаменитом «Ангеле Севера» — 20-метровом металлическом человеке, у которого самолётные крылья (размах 54 метра). Крылья специально развёрнуты под углом, чтобы создавать иллюзию не только готовности к полёту, но и к объятиям…
Великий скульптор улетел! Но обещал вернуться. Ждём-с!
Павел Николаевич Филонов — русский художник,теоретик искусства, поэт
родился 8 января 1883 в Москве,умер в Ленинграде 3 декабря 1941.
Мать — прачка, отец — извозчик. В семье было: четыре сестры и два брата. Павел Филонов был младшим в семье.
В 1887 году умер отец П.Филонова, в 1896 году — мать.
В 1897 году семья переезжает в Петербург.
Павел Фелонов
Поэты называли его «певцом городского страдания», «смутьяном холста» и «очевидцем незримого». А он был обычным гением. Великим мастером, который неутомимо создавал свои холсты для потомков. Павел Николаевич Филонов — художник-исследователь и теоретик «аналитического» искусства, был уверен в том, что его работы нужны и народу, и Родине. Его собрат по кисти — художник И.И.Бродский писал. «Производственно-творческие приемы Филонова – по краскам, подходу к работе и по глубине мысли – несомненно, наложат отпечаток на мировую живопись, и наша страна может им вполне заслуженно и законно гордиться».
Колхозник 1931г.
Сегодня, анализируя прожитую им жизнь, можно уверенно сказать — то, что сумел выстрадать Филонов, далеко не каждому по силам. Мастер голодал, но своих картин не продавал. На такое способен лишь уверенный и преданный своим идеалам человек. Филонов был готов влачить жалкое существование, но при этом тщательно собирал все работы, искренне веря, что они еще понадобятся России.
Святое семейство 1914г.
И это в то время, когда его творчество высоко ценили за пределами Отечества. Многие зарубежные коллекционеры мечтали иметь картины Павла Филонова в своей коллекции. Некоторые из них не раз предлагали Павлу Николаевичу покинуть страну, переехать жить на Запад, где он мог одновременно и работать, и преподавать. Но художник не видел для себя иной родины, кроме России. 
Рождение мастера
Павел родился 8 января 1883 года в Москве. Его родители были выходцами из простого люда — отец работал кучером, мать — прачкой. В семье росло шестеро детей, которые рано остались сиротами. Забота о младших досталась старшей сестре — Александре, которая вышла замуж за известного в Санкт-Петербурге купца. Павла — самого подвижного и пластичного из всех детишек с пяти лет отдали учиться танцам. Блестяще освоив технику движения, мальчик выступал в кордебалете. Когда ему исполнилось 11 лет, взрослые приметили, что все свое свободное время парнишка мастерски копирует многие понравившиеся ему рисунки с различных этикеток и открыток. Тогда Павла отправили учиться дальше, но теперь уже на мастера-декоратора. После окончания художественно-ремесленного училища Филонов некоторое время работал маляром, неплохо зарабатывая. Но затем, проработав пять лет в художественной мастерской академика Дмитриева-Кавказского, он поступил в Академию Художеств. Правда, до диплома дело так и не дошло, Филонов не принял действующей идеологии в Академии, он неистово отстаивал свое видение и свой стиль в живописи. Непокорного студента отчислили в начале третьей зимы обучения в 1910 году. Но это не отвратило Павла от любимого дела. Зимой 1910-11 годов Филонов пишет свою первую картину «Головы», в которой исследовательская инициатива тесно связана с максимальными профессиональными данными художника. 
В 1912 году Павел Филонов написал статью «Канон и закон», где выступил против П.Пикассо кубофутуризма, «пришедших в тупик от своих механических и геометрических оснований». Эта статья стала первым изложением его основных принципов аналитического искусства. Несколькими годами позже художник уточнит терминологию, добавит к ней новые положения, развивающие теорию, но все существенное, что характеризует этот творческий метод, уже содержалось в его ранней статье. Для живописца стало правилом каждое лето совершать морские путешествия по Волге. Деньги на поездки он зарабатывал сам, не чураясь никакой работы. Художнику приходилось не только колоть дрова или красить заборы, но и писать списки с икон, а порой даже вышивать «крестиком» полотенца и скатерти.
В начале Первой мировой Павел Филонов отправился добровольцем на войну. Через некоторое время его — солдата 2-го Морского полка Балтийской дивизии посылают служить пехотинцем на Румынский фронт. Затем вихрь революции захватил его, и одно время Павел работал председателем Военного Революционного Комитета Придунайского края в Измаиле. 
Тяга к искусству оказалась сильнее всех революционных призывов. Один из друзей Павла – художник Мансуров, по совместительству работавший комендантом Дома Литераторов в Питере, выхлопотовал Павлу Филонову комнату. Небольшое жилище с двумя окнами вполне устраивало художника. Ведь главным достоинством для художника были стены, на которых мастер мог развесить свои работы. Павел с головой ушел в творчество. С 1918 года Филонов пишет картины и одновременно продолжает свою исследовательскую работу в искусстве. Это был трудоголик «до мозга костей», часто работавший по 18 часов в сутки. «Картины Филонова – это сплошные эмоции», — говорили о его творчестве друзья. Помимо создания отдельных картин, Павел Филонов увлеченно работал над декорациями к спектаклю «Владимир Маяковский», который был поставлен в 1913 году в театре петербургского Луна-парка (театр Неметти). Кроме того, художник был иллюстратором ряда футуристических буклетов, издал свою трансрациональную поэму «Проповедь о поросли мировой» и начал разрабатывать художественные теории: «Идеология аналитического искусства» и «Принципы сделанности». А в 1919 году некоторые картины мастера были выставлены на Первой Государственной свободной выставке искусств рабочих в Петрограде. 
Судьбоносная встреча
12 апреля 1921 года в комнату Павла зашел комендант. Он передал художнику просьбу соседки написать портрет ее недавно умершего мужа. Соседкой Павла Филонова была учительница английского языка Екатерина Серебрякова. Филонов портрет написал, но денег за работу не взял, а напросился брать у соседки уроки английского языка. 
Через три года Филонов и Серебрякова поженились. Это был странный брак. Екатерине Серебряковой тогда исполнилось 62 года, а Павлу Филонову — 43. «Молодые» жили в разных комнатах и вели разное хозяйство. По сути никакой проблемы быта для Павла не существовало – он сам шил себе одежду, не признавал никаких докторов, поэтому всегда сам лечил и себя и свою жену. С раннего детства он привык рассчитывать на свои силы, поэтому никогда не бегал от одиночества. Несмотря на крутой нрав, Филонов всегда был внимателен и любезен с женой, которую называл не иначе, как «дочкой». 
Нельзя сказать, что Екатерина Серебрякова жила в большом достатке, но она – в отличие от Павла Николаевича — получала персональную пенсию, в то время как ее супруг влачил жалкое существование. Но Серебрякова не могла вмешиваться в судьбу мужа — таков был его выбор. Часто страдая от недоедания, Павел никогда не заходил обедать к жене, а если просил у нее денег, то непременно в долг. Иногда художник погружался в чтение философских книг, одно время увлекался изучением Библии.
Екатерина Серебрякова сумела понять и оценить мир причудливых образов мужа. В 1923 году Павел Филонов становится профессором Академии искусств и членом Института художественной культуры.
К приемам абстракции П.Филонов обращается с начала 1920-х годов. 1930-е годы стали временем травли художника. Он не получал официальных заказов, его ученики вызывались в НКВД, их принуждали отречься от своего учителя, в 1938 г. были арестованы оба сына жены художника Е.Серебряковой. 
Художник жил в полной нищете.Девяять лет он вел дневник. Это шесть толстых тетрадей, в которых отражалась жизнь художника.В последней тетради он писал только о жене. Эти дневники в 2002 году изданы.
В ноябре 1938 года у Екатерины Серебряковой на улице случился инсульт. 
Ей было тогда 76 лет. На «Скорой» ее увезли в больницу, но на следующий день Филонов на руках принес жену домой и сам стал ее выхаживать. Он заново учил ее говорить, ходить, развлекал, встряхивал и продлил на три года жизнь, потому что без его забот тяжело больная Екатерина Серебрякова не смогла бы выжить.
3 декабря 1941 года во время Ленинградской блокады Павел Филонов умер от истощения и голода. Труп пролежал на столе 9 дней, пока нашлись доски от Союза художников на гроб.Жена пережила его на несколько месяцев.
Творчество Филонова выдержало испытание временем. Всеобщее мировое признание пришло к этому самобытному мастеру через несколько десятилетий после его кончины.
Хозяин первого частного музея актуального искусства о кризисе и переоцененных Кризис ударил и по искусству.
Первый в России частный музей актуального искусства после значительного сокращения штата сотрудников меняет распорядок работы. Теперь музей открыт всего один раз в неделю — в пятницу.
Бизнесмен и владелец ART4 Игорь Маркин полтора года назад, открывая свое детище, амбициозно собирался сделать его «брендом, как Третьяковка, которые тоже начинали с 600 квадратных метров».
Братьям Третьяковым было легче: Сергей (младший) сидел в Московской городской думе и занимался торгово-промышленными делами, а Павел (старший) фанатично коллекционировал произведения искусства, неустанно повышая собственный вкус. Маркин попытался сочетать в себе обе ипостаси.
О трансформации его вкусовых предпочтений можно судить по тому, на фоне каких полотен бизнесмен-коллекционер фотографируется для СМИ. Вначале это была «Фонтана. ..уй» Тер-Оганьяна, затем «Уорхол в Москве» Виноградова и Дубосарского, а теперь «Горизонты» Новикова. Явный прогресс!
Конечно, кризис коснулся и маркинской компании по производству пластиковых окон. Но кризис — испытание не только для собирателей, но и для самих произведений — в новых условиях происходит их жесткая переоценка. Меняется и отношение к ART4 его основателя.
Если в начале существования музея Маркин позиционировал его как «увеселительное место», где «продвинутая молодежь может грызть семечки и пить кофе», то теперь сюда должны приходить только «кому надо». Те, кто серьезно интересуется современным искусством.
До недавнего времени главной проблемой музея была небольшая выставочная площадь (всё те же 600 кв. м). На их сайте есть проникновенное письмо министру культуры с просьбой «посодействовать в поиске подходящей площадки для размещения музея ART4.RU, например, передать нам в длительное пользование Музей Ленина в Москве».
В ответ со стороны государственных чиновников — тишина. Однако в кризисную пору ART4 уже не до расширения, наоборот, он «сократился» — если не в пространстве, то во времени. О характере и динамике последних музейных метаморфоз рассказывает учредитель ART4 Игорь Маркин.
- У вас с нового года изменится режим работы: будет только один рабочий день, по пятницам. Основная причина — кризис?
- Конечно. Но один день в неделю достаточно, чтобы принять всех желающих. Здесь могут находиться одновременно до двухсот человек.
Во-первых, это экономит нам деньги. Во-вторых, из-за кризиса стало тяжело устраивать выставки. Организация выставок — очень большая статья расходов. Новый режим — вынужденный вариант. Но для постоянной экспозиции отбирается только самое лучшее.
- Вы были радужно настроены на открытии музея. Ваши взгляды на искусство изменились за прошедшее время? Как на них повлиял кризис?
- Изменились. Даже не из-за кризиса. Кризис — только повод. Надоело заниматься пиаром, шуметь. Есть обширная коллекция, и ее можно посмотреть. Кто захочет — придет. По крайней мере ближайший год мы пиаром заниматься не будем.
- Вы довольны произведенным эффектом?
- Да, это известность, публикации, посетители. Мы не зря поработали.
- Какие сейчас у вас главные проблемы?
- Мы не решали проблемы, мы просто занимались искусством. Искусство — прекрасная вещь, гораздо более важная, чем экономика. В экономике схлынет волна — и пройдет, а искусство — вечно.
- Для вас музей хобби или профессиональная сфера?
- Это для меня уже профессиональная деятельность. Но она совпадает с хобби.
- Это сейчас убыточный бизнес?
- Моя главная ошибка за последний год-полтора в том, что я втянулся в раздувание пузыря современного искусства. Всегда на вопрос об арт-бизнесе — до вот этого нашего интервью — я утверждал, что цены растут, что это выгодное вложение денег.
И это подтверждалось ростом цен на произведения современного искусства, опережающим рост цен на недвижимость, на акции. Цены на нашем рынке определяются западными аукционами. И цены выросли примерно в 20 раз.
Но всё же не это самое важное. Ценники в какой-то мере заслонили само искусство. Многие, да и я в том числе, покупали какое-то произведение не потому, что оно прекрасно, а потому, что оно дает динамику роста цен. Я был уверен в этом. И долго это подтверждалось.
Слава богу, это прошло, цены падают! И можно наконец заняться чистым искусством.
- Изначально цены на некоторые произведения были дутыми? Эти картины «удерживают» вложенные в них деньги?
- Были локальные «вздутыши». Но я в них не попадал.
- Пример?
- Евгений Рухин, допустим. Питерский художник, которого уже нет в живых. Цены на него взлетели. Но это совершенно не подтвердило качество его работ.
Более известный пример — Владимир Немухин. Тоже одно время на него выросли цены, но он локальный художник. Достаточно обычный шестидесятник, ничего особенного.
Если говорить о современных, нельзя не упомянуть Виноградова и Дубосарского, которые уже, наверное, никогда не вернутся на прежние позиции. Это были сотни тысяч.
Очень хорошие ребята, я им всегда симпатизировал. У меня есть их работы. Но куплены они 5-6 лет назад. Сейчас их проект — это повторение пройденного.
- А Борис Свешников, Леонид Пурыгин?
- Пурыгин, я считаю, по-прежнему недооценен. Сейчас он стоит порядка ста тысяч за хорошую работу. Свешников взлетел даже слишком сильно, до двухсот тысяч. Нормальная цена — сорок.
- Кто рекордсмены?
- Корифеи -Кабаков, Булатов, Васильев. Краснопевцев опять же. Все эти художники ценны с точки зрения любого коллекционера. Их трудно найти. Их произведения являются жемчужинами коллекций.
- Как вы оцениваете влияние политики на искусство?
- Политическая составляющая всегда мешала искусству. Апофеоз этого мешания — когда плохой художник получает самую престижную премию — Кандинского .
- Вас не разочаровала музейная деятельность? Это сегодня не слишком дорогое удовольствие?
- Сейчас этап кризиса и важно не потерять набранное, чтобы музей в любом случае работал, чтобы люди могли прийти и посмотреть. Пусть раз в неделю. Мавзолей тоже работает не ежедневно. Многие учреждения культуры, такие как театры, работают не каждый день…
Есть в этом и плюс: мы избавляемся от бесконечной пиар-гонки. Что, в принципе, меня отвлекало от сути: я не мог нормально покупать, толком составлять коллекцию.
- Выражаясь по-кабаковски, из экстравертной деятельности в современном искусстве переходите к интровертной?
- Я всегда был интровертом. Экстравертом я стал вынужденно, чтобы поддержать проект. Я просто возвращаюсь на свои рельсы.
В галерее «Gallart» , с 21 августа по 21 сентября открывается авторская выставка работ, замечательного художника, мастера пейзажа Петрова Юрия Яковлевича.
Юрий Петров
Родился 28 июля 1947 года в Саратовской области, селе Волково Подлесновского района. Богатство и широта Волжсской природы, самобытность и простота окружающей жизни оказали не только эмоциональное, но и практическое влияние.
"На Волге", 70х40, 2008г.
В 1969 году Юрий Яковлевич поступил в Саратовское художественное училище. Ему было чему и у кого учиться. Преподаватели с большим опытом классической русской и советской живописи дали, по словам художника достаточно много, чтобы потом он совершенствовал полученные знания и опыт на протяжении многих лет.
"Весна" 50х60, 2009г.
Отличительная черта Юрия Яковлевича — он художник живой живописи.
Все его произведения написаны с натуры, во время многочисленных выездов на этюды, поездок и путешествий.
"Старая банька", 40х50, 2008г.
Легко можно заметить, что его работы дышат эмоциями человека, выражают состояние души, живущего в контексте с окружающего нас мира и не просто живущего, а постоянно соприкасающегося с родным краем.
"Осенняя пора" 50х70, 2007г.
Мастерство художника Юрия Петрова делает этот край еще более добрым, выразительным и завораживающим.
"Последний снег" 50х70, 2009г.
Полученный опыт и постоянное совершенствование своего мастерства все эти годы, сегодня мы с уверенностью можем сказать, что этот художник в категории рейтинга, состоявшийся, востребованный и покупаемый.
"Бурный вечер" 40х70, 1997г.
Личное сделано, многое предстоит сделать, но уже сейчас ясно что Петров Юрий может с достоинством носить звание профессионала Российского живописного искусства.
"Цветущие пионы", 50х70, 2009г.
"Бабьелето в Алексеевке", 50х70, 2007г.
Галерея «Gallart» открывает выставку-продажу работ Юрия Петрова с 21 августа по 21 сентября 2009г., в павильоне №262, ТЦ «Глобус» по адресу: Москва, Щелковское шоссе, д.3, стр.1
Ждем Вас дорогие почитатели реалистической живописи!
